Francisco

CLASE: 19/09/13

Tenemos el primer contacto con la materia "Música en Primaria". Comenzamos presentándonos y comentando la experiencia musical que cada uno tiene.

A continuación, pasamos a determinar el concepto de música a través de la siguiente definición:

"La música es el arte de combinar los sonidos con el tiempo"

También tratamos otros conceptos como:

- Los sonidos son las alturas que producimos.

- La duración de los sonidos es el tiempo.

- Los factores diferenciados son: los sonidos y su duración.

- La música tiene una parte de lectura y una parte de interpretación.

Hablamos sobre 'el primer concepto en cuanto a Teoría de la Música': "El árbol de las figuras"

De este modo tan representativo podemos observar las equivalencias de las figuras.

Incluimos un vídeo explicativo, que puede ser utilizado en el aula, acerca de las figuras, su forma y sus equivalencias:

Después hemos comenzado a tratar las distintas 'Metodologías', como por ejemplo:

* Método ORFF (Karl Orff 1895-1982):

Compositor alemán que saltó a la fama en 1937, cuando dio a conocer su famosa "Carmina Burana".

Su principal aportación es la utilización de la adaptación de los instrumentos para los niños.

Inventó una serie de instrumentos.

* Método WILLEMS (Edgar Willems, Bélgica 1980-1978):

Pedagogo y psicólogo de origen belga. Destaca su metodología por el hecho de relacionar la psicología con la pedagogía musical. Su método se basa en relacionar:

- el ritmo con las cualidades físicas.

- la armonía con ....

- la melodía con la afectividad y el sentimiento.

De este modo, surge así la relación de la música con las cualidades de los niños. 

Centra sus actividades en el juego. Crea unos planos instintivos:

- Desarrollo sensorial auditivo

- Desarrollo del instinto rítmico

* Método KODALY (Zoltan Kodaly 1882-1967):

Famoso en el S. XX. La fama de Kodaly quedó consagrada de manera definitiva en el año 1923 con su "Psalmus Hungaricus", partitura escrita para las conmemoraciones del cincuentenario de la Unión de las ciudades de de Buda, Pest y Obuda, en la que se compenetran figuraciones melódicas arcaicas y soluciones orquestales innovadoras. 

Lo más importante de este método es que utiliza el folclore para llegar a los niños y el canto para aprender a solfear. También utiliza sus propios signos (su propio método) que permitió alfabetizar fácilmente,desde el punto de vista musical, a toda Hungría.

Utilizaba las sílabas basándose en la electroescritura y representaba las alturas y sonidos. También destaca por los signos de la mano.

En colaboración con B. Bartock, empezó en 1903 un estudio sobre la musicalidad folclórica balcánica en general, y magiar en particular. 

* Método DALCROZE (Émile Jaques-Dalcroze 1865-1950):

Dalcroze comenzó su carrera como un pedagogo en el Conservatorio de Ginebra en 1892, donde él enseñó armonía y solfeo.

El Método Dalcroze involucra el enseñar conceptos musicales a través del movimiento.Consiste en tres elementos igualmente importantes: eurhythmics, solfeo e improvisación. Juntos, de acuerdo a Dalcroze, comprenden el entrenamiento musical esencial de un músico completo

....

* Método SUZUKI (Shinichi Suzuki 1898-1998) :

Compositor de origen japonés. El Método Suzuki es una aproximación de educación músico-instrumental, ya que utiliza el instrumento para acercarse a la música. La metodología surgió para el violín y después se extendió al piano y a otros instrumentos.

Suzuki se dio cuenta de que todos los niños del mundo pueden hablar su lengua materna, a pesar de las dificultades que conlleva aprender un idioma. Por eso, su sistema se basaba en iniciar la música al igual que la lengua materna.

Además, se caracteriza porque siempre es la misma canción pero se utiliza en infinidad de ritmos. La canción es la famosa "melodía alemana" o "campanitas".

     

Al finalizar la clase, tenemos nuestra primera toma de contacto con los instrumentos. Las personas que llevaron su flauta, practicaron con ella, en cambio aquellas personas que no la tenías, tocaron otros instrumentos como por ejemplo violín, xilófono, metalófono, crótalos, triángulos, platillos, panderetas, etc

CLASE: 26/09/13

La clase comenzó con un breve repaso de los distintos métodos tratados en la sesión anterior.Así como el repaso del árbol de las figuras de la Teoría de la Música. Continuando con esta misma, añadimos nuevos conceptos de la música:

- Pentagrama: conjunto de cinco líneas equidistantes y sus correspondientes cuatro espacios, enumerados de abajo a arriba. 

- Clave de Sol: se sitúa en la segunda línea del pentagrama.

La disposición de las notas en el pentagrama en clave de Sol:

                                         *NOTA:  Do grave se escribe en una línea llamada 'línea adicional'.

- Clave de Fa:se sitúa en la cuarta línea del pentagrama.

La disposición de las notas en el pentagrama en clave de Fa:

Continuando con el tema de las notas, conocemos un método de origen germano-inglés, que hasta ahora no habíamos oído hablar de él, y en el que las notas se representan por medio de letras mayúsculas, coincidiendo estas con las primeras letras del abecedario.

• A - La 
• B - Si
• C - Do
• D - Re
• E - Mi
• F - Fa
• G - Sol 

Hay ocho claves: 

1. Sol en 1ª.
2. Sol en 2ª. 
3. Fa en 4ª.
4. Fa en 3ª. 
5. Do en 1ª.
6. Do en 2ª. 
7. Do en 3ª. 
8. Do en 4ª. 

Volviendo al tema de las figuras, ya tratado en la sesión anterior con el árbol, conocemos los silencios que les corresponde a cada una.

Respecto a la sesión anterior y esta hemos podido comprender la relación de valor de una figura musical, la cual se basa en que el valor de una figura es la mitad del valor de la figura anterior y es el doble del valor de la siguiente.

Finalizando la parte teórica de la sesión, hemos hablado sobre como contar las notas musicales, es decir, sobre los intervalos. Contemplamos así los tonos y semitonos que existen entre las notas:

Observamos que de Do a Do' hay 6 tonos, y que de Mi a Fa y de Si a Do' hay un semitono respectivamente. También, prestamos atención al hecho de que en los intervalos debemos contar la primera y la última nota.

Un ejemplo que hemos visto es un "intervalo de 3º" empezando por Do, entonces hemos podido contar hasta que nota llegaríamos: Do - 1ª, Re - 2ª, y Mi - 3ª. 

En la parte práctica de la sesión, hemos trabajado con una partitura titulada "Melodía Alemana", la cual hemos tocado toda la clase con instrumentos diferentes: flautas, panderetas, metalófonos, xilófonos, triángulos, cascabeles, etc. 

Y para finalizar nos hemos dispuesto en grupos, cada uno de ellos tenemos que componer una canción en la que intervinieran diferentes instrumentos.

CLASE 03/10/2013

Comenzamos la clase exponiendo la melodía que compusimos por grupos en la sesión anterior. Primero, el representante de cada uno de ellos realizaba una breve introducción del por qué de esa melodía, y posteriormente, con distintos instrumentos, se tocaba para el resto de compañeros.

Aquí ponemos la melodía que creamos en nuestro grupo:

A continuación, comenzamos con la parte teórica de la sesión, en la que pudimos ver los siguientes conceptos: 

• El intervalo es la distancia de entonación que separa a dos sonidos distinto. Pueden ser ascendentes o descendentes, y se cuentan desde la primera nota hasta la ultima.  

• Los hercios de una octava en aguda vale el doble que una octava en grave.  

• Compás: se entiende como la medida que se toma como unidad para dividir una obra musical en fragmentos de igual duración. Puede haber de distintos tipos de compases como: 

• Binario 

• Ternario

• Cuaternario  

• En un compás simple el tiempo se subdivide en mitades, y en un compás compuesto en tercios.  

•  Se relacionan los compases según la relación existente del denominador y el numerador. 

•  Denominador: que figura es la unidad de tiempo (Negra)

Hemos visto un ejemplo de un compás de dos por cuatro, en el que podemos ver que la unidad de tiempo (UT) es una negra, porque es el cuarto de redonda, y la unidad de compás (UC) es la blanca. 

Continuamos con conceptos que nos podemos encontrar dentro de un compás:

• El puntillo, es el punto que se coloca a la derecha de cualquier figura musical y que le aumenta la mitad del valor de su duración. Tiene valor matemático, por ejemplo: una blanca con puntillo equivale a una blanca más una negra.

• El calderón, es un semicírculo con un punto en medio, que se pone encima de la nota que queremos alargar, le aumenta el doble de su duración. 

• La ligadura, es una línea que une varios sonidos para convertirlo en uno solo y tocarlo ligado. 

Llegando al final de la sesión, hemos aprendido qué es un dictado musical y en qué consiste. El dictado musical parte del trazado de una línea recta en una hoja, si el sonido es normal se escribe un punto en la línea, si es agudo por encima y si es grave por debajo. Para practicar lo aprendido, hemos llevado a cabo distintos ejemplos, que posteriormente hemos corregido.

Por último, finalizamos la clase con la explicación de una actividad que debemos realizar por grupos: con la partitura de "Blancanieves", además de representarla musicalmente, podemos bailar, cantar,etc.

CLASE: 10/10/13

La sesión de hoy ha comenzado con un repaso del día anterior, es decir, acerca de los compases. Por lo que hemos podido recordar que eran los compases binarios y terciarios, así como, que era el numerador y el denominador.

Por otro lado, hemos conocido nuevos conceptos como son:

- El puntillo: un punto que se coloca a la derecha de la figura y añade a esta la mitad de su valor. A continuación, mostramos un ejemplo: 

- Tresillo: se trata de un grupo de 3 notas que equivalen a dos de su mismo valor.

Hay compases en que cada tiempo ponen tresillos, que es lo mismo que el 3/4 --> Compás compuesto.

Por ejemplo, en un compás de 6/8 el numerador indica que hay 6 tercios de tiempo. En este caso:

•  La Unidad de tercio seria una corchea.
•  La UT negra con puntillo.
•  La UC blanca con puntillo.

En cambio, en un compás de 12/8:

• La Unidad de tercio es una corchea.
• La UT es una negra.
• La UC es una blanca con puntillo.

Después de estos conceptos, hemos visto que no todas las notas son naturales, ni tienen un nombre específico. Ante esto hemos incorporado a nuestro conocimiento sobre la Teoría musical estos términos:

- Bemol: es un signo musical conocido como alteración que afecta a la altura de una nota reduciendo ésta un semitono. Se representa de la siguiente manera:

- Sostenido: es otro signo musical conocido también como alteración que afecta a la altura de una nota aumentando ésta un semitono. Se representa: 

- Becuadro: al igual que los dos anteriores, se trata de un signo musical que se conoce como alteración que afecta a la altura de una nota, cancelando o anulando el efecto de un sostenido o un bemol, de tal manera que la nota o notas a que se refiere deben sonar con su entonación natural. Se representa:

También hemos tratado el signo de repetición, el cual indica que debe repetirse el compás señalado. Dentro de una partitura puede haber 'casilla de primera' y 'casilla de segunda'. Consiste en tocar la partitura hasta la casilla primera y volver a repetirla, en está repetición ya no se toca la casilla primera, sino que se salta a la segunda. Veamos la representación:

Para finalizar la sesión hemos hablado de que la música es el único lenguaje con el que podemos entendernos en todo el mundo.

 En ese sentido, debemos de hablar de las posibilidades que tiene el cuerpo humano como instrumento:

• La voz: es el instrumento por excelencia y el más sencillo. El único problema recae en la afinación y en la entonación. 
• las manos: con ellas podemos chasquear, dar palmadas (huecas o planas), frotar las manos o dedos, y palmear otra parte del cuerpo.
• La boca: ejemplos de sonidos con la boca serían la repiración, chistar, silbar...
• los pies: nos permiten realizar sonidos taconeando ( a la vez o alternando los pies), chocándolos entre ellos, etc
• Golpear partes del cuerpo.

Por último, hemos llevamos a cabo lo explicado anteriormente. Para ello hemos realizado una fila individual en la cual debíamos andar dando 2 palmadas y un paso con el pie, de tal manera que sonara todo a la vez y para finalizar, tocamos media clase un ritmo con palmas y la otra media, un ritmo diferente.

CLASE 17/10/2013

La sesión ha comenzado definiéndose como "un paseo por la música de la India", y para hablar de ello, hemos tenido el privilegio de contar con la presencia de Jacobo Durán, que ha venido a darnos una conferencia. Jacobo es un famoso músico, el cual tenía un programa en la radio llamado "La noche cromática".

Nos ha hablado de la música clásica de este país, una música tradicional muy antigua que forma parte de la música clásica más rica del planeta, es decir, con más recursos del mundo. 

Cuenta que hay dos grandes tradiciones de música clásica, ya que se sustentan en una teoría musical muy solida y antigua. Estas tradiciones se van heredando de generación en generación y a la vez se van renovando.

Esta música clásica no solo es de India si no de otras zonas geográficas como Pakistán, Nepal, Bangladés o Afganistán, aunque existen diferencias entre cada región.

Hay que distinguir dos tradiciones del siglo XVII, las cuales se separaron en este siglo, pero tienen muchas cosas en común, sobre todo que pertenecen a la antigüedad:

• La primera se trata de música Indostaní o también llamada de India del Norte, (coge todas las zonas dichas anteriormente excepto India del Sur).

•  La música Carnática  abarca la India del Sur.Estaba vinculada a los monasterios y el Hinduismo. La casta brahmánica es la que va a poseer o generar el repertorio de himnos védicos y las primeras músicas de la India.

También ha hablado del Raga, el cual se popularizó con el movimiento hippy, que pertenece a la casta de los brahmanes.

Teórico Matanga -->  En el siglo IX de nuestra era, ya mencionaba la palabra “raga”, cuyas notas las relacionas con todo un control metafísico, relacionándolo con los sentimientos, la astronomía, con las estaciones... El Raga está muy relacionado con los estados de ánimo. 

Además de cultivarse en los centros, se utilizaba en las cortes con los príncipes, malahas, la música les acompañaba a todas horas, adaptándose a sus necesidades.

Se distinguen en la escala en la que están compuestos. Hay, según las tradiciones, muchas escalas. En la India del Sur hay 72 escalas sobre las que poder construir una serie de Ragas. En la India del Norte puede haber 65 mil ragas posibles, pero sólo se usan 300.

El Raga además de coger una determinada escala, se encarga de darle unas determinadas características.

A continuacón, nos ha comentado la técnica de la música India, diciendo que los Indios tienen solfeo a base de sílabas: sa – re o ri – ga – ma – pa dha – ni – sa (corresponde con: do-re-mi-fa-sol-la-si-do). En la India no existe una referencia, cada instrumentista sitúa la nota “Do” en el centro de su registro para que le sea cómodo teniendo en cuenta que tiene que tener 3 octavas (mientras que en España cantan dos octavas).

La escala descendente en los ragas no es plenamente descendente, sube y baja. A la escala ascendente la llaman Aroh, y a la descendente Avroh.

En los ragas hay determinadas notas que hay que llegar a ellas por medio de otras. Hay notas que se adornan y notas que no.

Un raga de reglamento dura hora y media o dos horas en la India del Norte. En la India del Sur son más breves. 

En la edad preislámica hasta el siglo XIX, los músicos más importantes eran los cantantes con diferencia y el repertorio fundamental era para voz, himnos para dioses.

Además, Jacobo nos ha puesto un ejemplo de música de estilo Drupad, donde aparecen textos religiosos. Se caracteriza por tener un estilo sobriamente ornamental, llamado Khyal, el cual llega a la India por influencia Persa, heredando todo lo que traían los cantantes Brahma. Muchos instrumentistas hacen lo que hacían los cantantes y se adaptan a los gustos de los príncipes, con muchos adornos y giros vertiginosos (escalas, …).

El disco que hemos escuchado de este tipo de música es el siguiente:

A continuación hemos visto otro ejemplo donde aparece un instrumento de cuerda que acompaña al cantante, el llamado "GAT" , que es la parte más animada donde hay un tambor marcando ritmo y una aceleración en la música.

Nos ha comentado otro elemento que aparece en el raga, es el TALA, el ritmo en el que se interpreta el raga en un preciso momento. Ritmo de 7 pulsaciones, donde en la India del Norte se acelera, y en la India del Sur se mantiene. El ciclo puede ir de 3 pulsaciones a 108.

TALA Y RAGA son dos dimensiones diferentes, cualquier tala se puede interpretar dentro de cualquier raga.

Hemos finalizado la conferencia, aprendiendo que la música de India del Norte es improvisada (no quiere decir que sea inventada sobre la marcha) y que durante el periodo islámico es cuando se superan las tradiciones del Norte y del Sur, ya que el Sur es más reacio a islamizarse.

CLASE 31/10/2013

La sesión de hoy a consistido en realizar por grupos las diferentes representaciones de Blancanieves. Aquí os dejamos dos de ellas. 

Grupo 3,en el que participó Laura Soriano y Sara Santiago:

Grupo 4, en el que participó Marta Hernández: 

CLASE 07/11/2013

Fundamentos de la improvisación musical.

• La improvisación es toda expresión musical instantánea, espontánea producida por un individuo o grupo.
• La improvisación musical está determinada por 3 parámetros

La improvisación:

Material de la improvisación:

Carácter u objetivo implícito de la improvisación:

Técnicas de improvisación:

Improvisación y educación:

Improvisación instrumental en el niño.

En la improvisación instrumental comienza también con un "balbuceo! instrumental en el niño.

Etapas del niño e improvisación.

Para el niño de 6 o 7 años que se inician en el estudio de algún instrumento, le chifla improvisar, crear música: Los que se resisten a este crear JUEGO de libre expresión prefieren repetir o estudiar lecciones.

Con la pre-adolescencia (10-12 años) la capacidad expresiva y de comunicación sufre una ligera retracción. A estos niños les cuesta proyectarse, de ahí la importancia de dar suficiente oportunidades de libre expresión a los niños.

Improvisación y adolescencia.

En la adolescencia el alumno se interesa por la música querrá especializarse y dedicarse con mas intensidad al aspecto que mas le atraiga. en estas edades se manifiesta especial interés por repetir o copiar modelos derivados de la música popular. Poco después surgirá la necesidad de expresarse con más independencia.

Objetivos de la improvisación:

En la improvisación libre, el objetivo es de naturaleza subconsciente, implícito.

En la improvisación quiada el objetivo esta especificado por el maestro

Objetivos generales:

Descargué: actué, manipule-cree, comunique, repita, ejercite. Niveles corporal, afectivo mental y social.

Incorpore: sensaciones, experiencias, conocimientos. Para desarrollar hábitos, memoria, destrezas. Para adquirir sensibilidad, confianza, seguridad.

Objetivos ESPECÍFICOS:

Consigna de la improvisación:

Con la consigna o procedimiento se desencadena, se activa el proceso improvisatorio.

Induce a realizar una acción determinada.

Contiene la clave para empezar a jugar.

Criterios de clasificación:

1)

2)

3)

4) 

Improvisación como técnica pedagógica:

.....

La utilización de consignas está relacionada con la edad del sujeto, su nivel cultural general y musical, con si inteligencia y con su grado de espontaneidad.

Se juzgará el resultado de una improvisación en función de la persona que la produjo, teniendo en cuenta sus rasgos...

Didáctica de la improvisación:

• Igual que a hablar se aprende hablando, a improvisar se aprende improvisando.
• Improvisar es sinónimo de juego, alegría, entretenimiento, exploración, curiosidad..
• La improvisación empieza con los juegos musicales espontáneos de los bebés. La idea de explorarse a sí mismo y de todo lo que me rodea se mantiene durante los próximos años.
• El niño vive de distintas maneras la creatividad, puede ser algo espontáneo o algo pedido por los adultos. El adulto es el que indica "  "
• Hay que permitir la libre expresión. Hay que descubrir que necesitan los niños en cada momento para incentivarlos a que realicen su actividad exploratoria musical con naturalidad y alegría. La mayoría de los niños conciben la improvisación con naturalidad cuando....
• El buen coordinador de la improvisación debe de haber pasado por la experiencia, no estar inhibido.
• Toda creación puede ser audible si escucha con convicción y con interés. La falta de interés y el aburrimiento no son amigos de la improvisación, desprestigian.
• Si una persona se resiste a comunicarse, a expresarse afectivamente (adultos, niños, les cuesta mucho liberarse, es como si se desnudaran) le pedimos que ejerciten sus dedos, que produzcan un efecto rítmico o melódico, con lo que que ya se habrá conseguido algo importante. en este caso se trata de aprender y de ejercitarse para luego dar paso a la invención y a la expresión 

La improvisación en la pedagogía musical del siglo XX.

• En una primera época de la pedagogía musical del siglo XX, destacan autores como Emile Jaques Dalcroxe (1865-1950) pionero en dar la importancia que se merece a la improvisación musical en la formación. Mourice Marleta (1898) insiste en la idea de Dalcroze de la necesidad de impulsar en el niño los procesos espontáneos creadores.
• Carl Off (1825-1982) da importancia a la improvisación instrumental, vocal y corporal.
• En una segunda época de la pedagogía musical del siglo XX surgen autores ingleses, alemanes y suecos. Pero destaca ante todo la figura de

La improvisación en el movimiento corporal

• La mayor arte de las conclusiones ...
• Con el aumento de vocabulario  ...
• Hay que adecuar...

La improvisación en el Jazz

• Intervienen cinco factores: intuición, emoción, sentido de las alturas, hábito y el intelecto. Los cuatro primeros factores son inconscientes. El intelecto es controlable.
• Los otros cuatro, conocimiento, armonía, ritmo y complicidad se desarrollarán al ritmo impuesto por el intelecto. La preparación académica es la base sobre la que se construirá la propia obra creativa.

Improvisación de la música contemporánea

• La improvisación musical era habitual en el Barroco y perdura hasta el Clasicismo. Con el Romanticismo, las agresivas dificultades técnicas que los compositores introducen en sus obras hace que aumente la especialización de los interpretes quedando así al servicio de la obra. Su preocupación es técnica.
• A partir de los años 50 surge la necesidad de superar las complejas estructuras, se asiste a una nueva exploración de los medios y de los materiales sonoros. Es la era de los nuevos instrumentos, aparecen instrumentos eléctricos y electroacústicos. La escritura se relaja en cuanto a las preocupaciones estructurales y técnicas. El compositor pierde su monopolio, ahora el intérprete no improvisa para sí, sino que lo hace para el compositor, " Intérprete, improvisa por favor".

CLASE 07/11/2013

Volvemos de las prácticas. Comenzamos la clase hablando de ellas, sobre todo las personas que han tenido la oportunidad de estar en las clases de música.

A continuación, hablamos de la clave de sol, clave de do y clave de fa.

A continuación, Francisco nos propone dos actividades